Con motivo de la II Edición de Balelatina, hemos optado por presentar un perfíl de nuestros artistas más caraterísticos. 

La Galería Blanca Soto Arte mantiene desde su apertura un compromiso constante con los jovenes artistas españoles, aún que en los dos últimos años de existencia hemos emprendido un intersante camino hacia la internacionalización tanto de los artistas nacionales como incorporando artistas internacionales de la categoría de Nicola Costantino. En este un camino que nos ha permitido entablar relaciones muy cordiales con diferentes galeristas, críticos y artistas de América Latina.

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CREADORES PARTICIPANTES

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Nicola Costantino

PSJM

Paco Mesa y Lola Marazuela

Pep Guerrero

Imanol Marrodán

Lina Kim/ Michael Wesely

Eugenio Marchesi

José Luis Santalla

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Nicola Costantino

Nicola Costantino (1964) nace en Rosario, Argentina,  donde cursa la carrera de Bellas Artes con especialización en escultura.

Cochon sur canapé (1992), su primera muestra individual, es considerada precursora del arte contemporáneo latinoamericano. En 1994 entra en el taller de Barracas de Fundación Antorchas coordinado por Suárez y Benedit y se traslada a Buenos Aires, donde vive y trabaja. En 1998 representa a la Argentina en la bienal de San Pablo, y desde entonces participa en numerosas muestras en museos de todo el mundo, entre los que se destacan Liverpool (1999), Tel Aviv (2002) y Zurich (2011). En 2000 realiza una muestra individual en Deitch Projects (Nueva York) y su Corset de peletería humana ingresa en la colección del MOMA. En 2004 presenta Animal Motion Planet, una serie de máquinas ortopédicas para animales nonatos, y Savon de Corps, obra que tuvo gran repercusión en la prensa. El encuentro con Gabriel Valansi en 2006 significó su entrada al mundo de la fotografía, con más de 30 obras en las que es constante su protagonismo encarnando distintas personalidades del arte y la fotografía. Su interés en la videoperformance la conduce a crear la obra autorreferencial Trailer (2010), su primera producción de tipo cinematográfica, y a abordar un personaje histórico femenino paradigmático como Eva Perón en Rapsodia Inconclusa (55a Bienal de Venecia, 2013).

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PSJM

Se comporta como una marca de arte comercial madura que plantea preguntas sobre la obra de arte y el mercado, la comunicación con el consumidor y la funciona como una calidad artística. Esto lo hace empleando los dispositivos de comunicación utilizados por el capitalismo espectacular como un medio para resaltar las paradojas generadas por su crecimiento caótico.

La exposición incluye la obra censurada Project Asia, que nació como propuesta de espacio público, concretamente la Plaza Mayor de Gijón, donde se instaló y posteriormente se retiró tras la presión ejercida por la empresa Adidas. En consonancia con su otro trabajo, PSJM pone el acento en el universo contemporáneo de las marcas como creadoras de valores simbólicos, identidades abstractas que conforman la propia identidad del individuo. Las grandes marcas multinacionales, auténticos símbolos de la democracia competitiva que nacieron en países libres, no consideran la ubicación de sus fábricas en países en los que se desconocen las condiciones de trabajo sindicalizadas, o incluso se les prohíbe bajo pena de castigo, como una contradicción de los mensajes que transmiten para forjar sus valores de marca, siempre asociados a la noción de libertad individual y a estas marcas en cajas de luz bajo el mismo eslogan, MADE BY SLAVES FOR FREE PEOPLE (HECHO POR ESCLAVOS PARA LA GENTE LIBRE), un comentario irónico sobre los valores reales que estas marcas representan.

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Paco Mesa y Lola Marazuela

IDEA DE NORTE es la parte del proyecto PARALELO 45º25’ N que pasa por EEUU y Canadá desarrollado por Paco Mesa (Granada, 1967) y Lola Marazuela (Segovia, 1970).

Paralelo 45º25’ Norte es un proyecto consistente en dar la vuelta al mundo sobre este paralelo terrestre (Francia, Italia, Croacia, Serbia-Montenegro, Rumanía, Ucrania, Rusia, Kazajastán, China, Mongolia, EEUU y Canadá) señalizándolo cada 100 km con una placa metálica.

Paralelo 45º 25’ N es:

    -  una idea radical de dibujo

    -  una aventura

    -  una misión de exploración geográfica

    -  una disciplina

    -  una línea donde se juntan Arte y Vida

IDEA DE NORTE

El viaje en coche desde Chedabucto Bay (Nova Scotia) en dirección oeste hasta Netarts Bay (Tillamook-Oregon) ha durado casi tres meses durante los que hemos puesto 51 placas donde se lee 45º25’ N Parallel, realizado cerca de 4.000 fotografías y grabado en vídeo algunas entrevistas para una película con gente de todo el Paralelo.

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Pep Guerrero

La pintura de Pep Guerrero muestra rasgos del eclecticismo dominante en toda actividad artística actual, retomando hallazgos de movimientos artísticos anteriores para integrarlos como herramientas habituales en su creación: el collage aplicado sobre elementos cotidianos y la utilización descontextualizada de elementos de la cultura popular vinculan el trabajo de Pep Guerrero con tendencias artísticas como el Dadaísmo, el Pop o la Bauhaus.

Componiendo sus piezas con iconografías dispares pero siempre armónicas (estampados, paisajes de toile de jouie o falsas pieles de animales), el artista incorpora ahora reproducciones de pinturas renacentistas, consiguiendo un resultado gratamente impactante.

Los habituales zapatos de Camper o las piezas de mobiliario más clásicas, han sido sustituidos, esta vez, por simples juegos nostálgicos evocadores de un tiempo irrecuperable, de la infancia y la adolescencia de toda una generación.

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Imanol Marrodán

Las composiciones o pinturas se plantean mediante dos planos horizontales de campos de color  generando una línea horizontal que, bajo nuestro subconsciente representacional, inmediatamente interpretamos como un horizonte en un paisaje.

Esta imagen que inconscientemente re-presentamos nos configura una serie de sensaciones preestablecidas por nuestra memoria visual. Lo interesante de esto es que el propio espectador que contempla el objeto conforma su propia imagen representativa de un paisaje que solo está en su subconsciente. De esta manera el “observador” se autosugestiona y construye un paisaje emocional en base a un objeto pintado, su color y su luz reflejada.

Se provoca deliberadamente este juego gestaltico para observar como se configura la semiología de un lenguaje visual a través de nuestros propios límites de representación, muchas veces condicionados arbitrariamente. De este modo podemos imaginar que existen otros lenguajes y otras maneras de ver y de pensar.

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Lina Kim & Michael Wesely

Lina Kim y Michael Wesely llevan años colaborando en la realización de diversos proyectos conjuntos que, en su mayoría, se desarrollan en torno a la percepción de los fundamentos de la nueva cultura universal, donde la planificación urbanística se manifiesta como una necesidad inevitable para adaptar el desarrollo de las ciudades a su verdadero objetivo y destino.

Todas las imágenes, ya sean fotografías o vídeos, abordan las ambigüedades y significados paralelos escondidos tras los principios racionales aplicados habitualmente. Imágenes que muestran claramente las sombras de estos principios (como los aspectos científicos, políticos y crematísticos), así como su importancia en el proceso civilizador y en el desarrollo de la sociedad.

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Eugenio Marchesi

Mi trabajo se basa en la observación y la poesía de la relación entre homosapiens y la naturaleza, tratando a los homosapiens para que no sean diferentes a ninguna otra especie. Utilizo el medio presentado a través de la ciencia del arte como la expresión fundamental en mis proyectos.
La especie humana transforma, consume, degrada y mejora el medio ambiente para su propia ventaja inmediata. Las implicaciones son profundas, más allá de lo que jamás se podrá canjear a través del elastoplast ofrecido por la ciencia y la tecnología. La consecuencia de estas acciones tendrá efectos evolutivos de largo alcance.
Los materiales que uso, más o menos, provienen de la naturaleza, la ciencia y la tecnología. Mi trabajo principal es buscar cultivos genéticamente modificados y las mejoras genéticas prevalentes en la cría de ganado. Ambos han sido introducidos en nuestro ecosistema, el mismo almacén que alimenta nuestro sistema de soporte de vida humana. La ciencia, seductoramente, propone mejorar gran parte de nuestras vidas y, de hecho, se ha vuelto en contra de nosotros convirtiéndose en un arma de evolución fundamental de la especie humana.

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José Luis Santalla

José Luis Santalla, (Madrid, 1965) pertenece a la generación que, iniciando su trayectoria en los años ochenta, ha utilizado la fotografía como una herramienta versátil y dúctil, en una exploración imaginativa de sus posibilidades narrativas.

Sus series se han sucedido como una búsqueda de posibilidades límite (Manipulaciones) o en los que la duplicación, desde la introducción de la idea del espejo, genera espacios posibles para la imaginación (Dípticos). Muchas de sus imágenes han tendido a construir alegorías en las que los objetos adoptan un significado y un uso diferente, decantándose más por desarrollar un discurso de fragmentación estilística que le permitiera una versatilidad narrativa desde la cual abordar temas concretos, tensiones y contradicciones (En silencio).

Oscilando entre lo inerte y lo animado, y precisamente, a partir de sus últimas series, Un mundo feliz  y Fugas, su trabajo adquiere un espesor más denso, ligado a una meditación sobre los valores y los modelos en la sociedad contemporánea.

Es precisamente en estas dos series donde Santalla comienza a reflexionar sobre la ausencia. Una ausencia que se traduce, en Fugas,  en la huida del propio personaje, que ha desaparecido. Los personajes han huido dejando su ropa como crisálidas que dejan su carcasa en un espacio que es un escenario de su cotidianidad. Son reflexiones sobre el interior y el exterior, reflexiones, en definitiva, sobre el mundo en el que vivimos.