ARTE BA
18 - 22 mayo 2007
La Rural, Buenos Aires
ARTISTAS PARTICIPANTES
Aitor Lajarín
Imanol Marrodán
José Luis Santalla
José Luis Serzo
Nicola Costantino
Oscar Seco
Pep Guerrero
PSJM
Ruth Quirce
Aitor Lajarín pinta seres humanos en el interior de sus casas que se encuentran en una situación de extrañamiento. Se trata de arquitecturas que no aparecen como iconos sino como propuestas habitacionales, por lo que el pintor desarrolla, de la casa, solo estas estructuras primarias de paredes y suelo, alimentadas frívolamente por la ocupación espacial de algún que otro mueble de diseño aislado. Los personajes que, intuimos, habitan estos ámbitos domésticos, parecen estar ahí circunstancialmente, como si su ocupación, el hecho de dejar su rastro, fuera imposible, y mucho menos, les estuviera permitido colapsarlos de recuerdos. Comparecen ante nosotros como si habitaran el espacio de otro, un espacio que no es de nadie… o un espacio inhabitado.
Creador y pensador crítico interdisciplinar que ha centrado su trabajo dentro del marco de la investigación y la creación artística contemporánea. Ha expuesto sus proyectos en numerosos países como Reino Unido, Francia, Alemania, Portugal, Bélgica, Corea, Argentina, Suiza y Estados Unidos. Su obra ha participado en numerosas ferias internacionales de arte contemporáneo, además de estar presente en importantes colecciones de museos e instituciones públicas y privadas.
Cabe destacar además su labor crítica y de gestión en la producción de diferentes eventos relacionados con el arte y pensamiento contemporáneo.
Pertenece a la generación que, iniciando su trayectoria en los años ochenta, ha utilizado la fotografía como una herramienta versátil y dúctil, en una exploración imaginativa de sus posibilidades narrativas. Sus series se han sucedido como una búsqueda de posibilidades límite (Manipulaciones) o en los que la duplicación, desde la introducción de la idea del espejo, genera espacios posibles para la imaginación (Dípticos). Muchas de sus imágenes han tendido a construir alegorías en las que los objetos adoptan un significado y un uso diferente, decantándose más por desarrollar un discurso de fragmentación estilística que le permitiera una versatilidad narrativa desde la cual abordar temas concretos, tensiones y contradicciones (En silencio). Oscilando entre lo inerte y lo animado, y precisamente, a partir de sus últimas series, Un mundo feliz y Fugas, su trabajo adquiere un espesor más denso, ligado a una meditación sobre los valores y los modelos en la sociedad contemporánea.
Se aventura en la búsqueda de un misterioso ser llamado THEWELCOME, y presenta una primera muestra (de nuevo con una exposición-relato), en la galería Blanca Soto de Madrid. Para ello utiliza distintas disciplinas, y con la colaboración de amigos reales y ficticios, este joven “investigador” intenta dar forma a un retrato universal configurado por medio de infinitos testimonios, relatos y descripciones que contienen nuestros mejores deseos.
Nicola Costantino (1964) nace en Rosario, Argentina, donde cursa la carrera de Bellas Artes con especialización en escultura.
Cochon sur canapé (1992), su primera muestra individual, es considerada precursora del arte contemporáneo latinoamericano. En 1994 entra en el taller de Barracas de Fundación Antorchas coordinado por Suárez y Benedit y se traslada a Buenos Aires, donde vive y trabaja. En 1998 representa a la Argentina en la bienal de San Pablo, y desde entonces participa en numerosas muestras en museos de todo el mundo, entre los que se destacan Liverpool (1999), Tel Aviv (2002) y Zurich (2011). En 2000 realiza una muestra individual en Deitch Projects (Nueva York) y su Corset de peletería humana ingresa en la colección del MOMA. En 2004 presenta Animal Motion Planet, una serie de máquinas ortopédicas para animales nonatos, y Savon de Corps, obra que tuvo gran repercusión en la prensa. El encuentro con Gabriel Valansi en 2006 significó su entrada al mundo de la fotografía, con más de 30 obras en las que es constante su protagonismo encarnando distintas personalidades del arte y la fotografía. Su interés en la video performance la conduce a crear la obra autorreferencial Tráiler (2010), su primera producción de tipo cinematográfica, y a abordar un personaje histórico femenino paradigmático como Eva Perón en Rapsodia Inconclusa (55a Bienal de Venecia, 2013).
En esta ocasión, el artista expone, además de pinturas, una serie de maquetas y un vídeo realizado en colaboración con Manuel Mingo, ambientado en plena Semana Santa sevillana.
Seco, como ya es habitual, aborda una obra de temática imaginaria que remite a la literatura fantástica, la ciencia ficción y el cómic. Su trabajo, repleto de referencias a la historia del arte y al mundo cinematográfico de serie “B” está plagado de ironía y sarcasmo. Un humor corrosivo que le permite jugar de manera aparentemente infantil, con muchos de los conflictos del ser humano; la guerra, la tecnología, el estado actual del arte son temas recurrentes, de ahí esa fértil simbología que va desde la fauna fantástica más variada hasta el repertorio bélico cuajado de tanques, pistolas y soldados.
La pintura de Pep Guerrero muestra rasgos del eclecticismo dominante en toda actividad artística actual, retomando hallazgos de movimientos artísticos anteriores para integrarlos como herramientas habituales en su creación: el collage aplicado sobre elementos cotidianos y la utilización descontextualizada de elementos de la cultura popular vinculan el trabajo de Pep Guerrero con tendencias artísticas como el Dadaísmo, el Pop o la Bauhaus.
Componiendo sus piezas con iconografías dispares, pero siempre armónicas (estampados, paisajes de toile de jouie o falsas pieles de animales), el artista incorpora ahora reproducciones de pinturas renacentistas, consiguiendo un resultado gratamente impactante.
Los habituales zapatos de Camper o las piezas de mobiliario más clásicas, han sido sustituidos, esta vez, por simples juegos nostálgicos evocadores de un tiempo irrecuperable, de la infancia y la adolescencia de toda una generación.
PSJM es un equipo artístico conformado por Pablo San José (Mieres, 1969) y Cynthia Viera (Las Palmas, 1973), quienes están trabajando en Madrid. PSJM funciona como una marca comercial de arte aventajado, sus acciones y trabajos hablan sobre obras de arte y su lugar en el mercado, comunicación con el consumidor de arte y la función como un tema de arte, utilizando recursos y elementos del capitalismo de la comunicación y la sociedad del espectáculo para encontrar la paradoja que se producen por su desarrollo caótico.
PSJM ha tenido shows en lugares como Nueva York ("The Real Royal Trip. By the Arts", PS1-MOMA. En colaboración con El Perro y Aitor Méndez.), Miami ("Deluxe", galería Casas Reigner), Colonia (KunstKöln04, Galería Blanca Soto) o Berlín ("Shopped till Death", Tuteurhaus) y muchos espectáculos individuales y grupales en España.
Pequeño Apocalipsis es el título bajo el que Ruth Quirce (Madrid, 1974).
En esta ocasión su obra gira en torno a la idea de caos, un “pequeño apocalisis” que evoca esos momentos de fragilidad, esos pequeños límites, explosiones, que desequilibran una situación de calma; en definitiva, pequeños brotes de caos que perturban la aparente tranquilidad de todas las cosas.
Ruth parte de su propia sensación de elemento quieto, y desde su posición inmóvil, ella misma es espectadora de todo lo que sucede a su alrededor. Todo lo que la circunda se mueve, gira; tanto lo más inmediato como lo más remoto, más allá de los límites del Universo. En palabras de la propia artista: “yo hablo desde mi propio espacio, quieto, regulado y resguardado. Un pequeño espacio “salvador” que, al igual que antes el soll, lo mira todo desde una cierta distancia”
Pequeño Apocalipsis presenta pinturas donde la geometría aporta al mismo tiempo, estabilidad y desorden, con planos, líneas y elementos energéticos, de robusta apariencia metálica, como esa montaña / pirámide / zigurat que actúa como una fuente de energía, “luz como atmósfera, como medio declarante donde las cosas, la realidad aparece.”